Ein gemütliches Theatererlebnis sieht anders aus, wer einfache Unterhaltung erwartet, ist eher fehl am Platz. Das „Amsterdam“ in den Bochumer Kammerspielen ist so ganz anders als das Amsterdam, was wir kennen - oder doch nicht? Es ist ein „spielerisches“ Holocaust Mahnmal an die 1940er Jahre als die Nazis dominieren und die Holländische Metropole beherrschen. Es ist gleichzeitig Fiktion und Projektion auf mögliche Parallelen zur heutigen Zeit. Gezeigt wird kein Rückzugsort, sondern ein modern-skurril inszeniertes Schlachtfeld der Sinne und ein Verhör der Seelen. Es fordert auf zur Auseinandersetzung und konfrontiert mit bekannten Fragen zu dunklen Schatten von Verfolgung, Ausgrenzung, Macht und Schuld wie es sie im Amsterdam der Kriegszeit gab. Das Stück beginnt mit einer Mehrfach-Wiederholung, die im Stück sehr wiederholt vorkommen: „Amsterdam an den Eiern gepackt“ hallt es durch den Saal. Es sind keine typisch höfliche Szenen und Ausdrücke, sie sind oft vulgär, laut, brüllend, verzweifelt und unbequem. Die Protagonistin, eine israelische Violistin (Jüdin, das wird noch wichtig), lebt in der eleganten Wasserlage an der Keizersgracht in Amsterdam — eine Adresse, die bis heute Glanz und Wohlstand evoziert. Leider kommt per Post eine unbezahlte Gasrechnung, 1.700 Euro (inklusive saftiger Zinsen). Aus dem Jahre 1944. Es beginnt eine Suche und Aufarbeitung, die sich tief und tiefer in die dramatische Geschichte ihres Wohnhauses eben zur Zeit des Holocaust bohrt. Die Musikerin muss sich schließlich mit alles anderem als spielerischen Fragen zu ihrer Identität, Herkunft und Position auch in Parallelität der heutigen Gesellschaft konfrontiert sehen. Der intuitive Glanz ihres Premium-Wohnortes mit direktem Blick auf das Kanalwasser wird im Stück durch ein stark reduziertes, nahezu minimaltisches Bühnenbild zerkratzt: links ein DJ-Pult, daneben eine fahrbare Stahlbrücke, ein großer Halbbogen, die fast die ganze Bühne einnimmt. Diese Konstruktion wirkt später wie eine klobige Metapher: eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Privileg und Schuld, zwischen Leben und Bedrohung. Die Inszenierung zieht viele Register: Der weibliche DJ macht Musik und Töne. Plötzlich und unerwartet sprechend, kommentiert er auch das Geschehen. Einer der Schauspieler reagiert verblüfft: „Wusste gar nicht, dass sie auch Text hat.“ Eine Mischung aus Kunstinstallation, Kirmes und Theater ist ein bewusst irritierender Tonfall, der den gesamten Abend begleitet. Musik und mitunter grotesk an Grenzen gehend überspitzte Sprache wechseln einander ab. Immer wieder fällt das Wort „Genever“: der niederländische Genever Superior, wie ein altes Lebenselixier, das zugleich betäuben und enthemmen kann. Die Sprache ist roh, vulgär, aggressiv. „Ich muss mein verficktes Holländisch verbessern“, „Heil Hitler“, oder etwa Beschreibungen wie „rosafarbene Nippel, ihre Brüste“ oder die Amsterdamer Grachtenbrücken, die als „zwei Penisse“ interpretiert werden „mit einer Erregung vor Stolz“ dienen wohl nicht dem Voyeurismus, sondern einer radikalen Überzeichnung. Es ist ein künstlerisches Aufschreien der israelischen Autorin Maya Arad Yasur und der Regisseurin Sapir Heller. Tabus werden gebrochen, Rücksichtslosigkeit wird zum Stilmittel. Die Lautstärke nimmt zu, Schreie hallen, Aggression wird hörbar — und im Publikum spürt man: hier geht es nicht um Ästhetik, es geht um Belastung. Als Übernahme vom Münchner Volkstheater aus 2019 ist die Inszenierung in teilweise neuer Besetzung aktuell am Schauspielhaus Bochum zu sehen. Nur Nina Steils feiert ein Comeback, sie war damals schon dabei und gehört seit der Spielzeit 2024/2025 zum Bochumer Ensemble. Meist wirken die konsequent stattfindenden Überzeichnung nicht beliebig. Sie dienen dem Ziel der politischen und ideologischen Entblößung. In den Kammerspielen wird man plötzlich Zeuge eines nahezu gnadenlosen Ritts durch provokante Fragen zu Identität, Unterdrückung, Diskriminierung und Machtverhältnissen. Es sind nicht nur Bilder und Angstszenen vergangener Kriegszeiten, es sind auch der historische und aktuelle Konflikt von Israel und Gaza. Einige Provokationen lassen erröten, aber sie können zur Auseinandersetzung beitragen. Ein besonders eindrückliches Bild: die Szene am beleuchteten Stahlbogen mit einer sehr grotesken Frauenarzt-Visite, der detailliert benannten „vaginalen Ulltraschalluntersuchung“. Die schwangere Mutter, im neunten Monat, fleht in angstvollem Ton, ob noch Herztöne zu hören seien. Der antisemitische Gynäkologe arbeitet in Latexhandschuhen absurd am Unterleib des männlichen Schauspielers an einer Seite des Bogens. Auf der anderen Seite, meterweit entfernt, liegt die schwangere jüdische Frau hingegen, hier ist nur der Oberkörper zu sehen - die Dialoge sind böse. Die Situation spitzt sich zu, als das Echo tödlicher Zahlen erklingt: „17.820 tote Kinder in Gaza“, ein Schrei, ein Vorwurf, eine Schlacht um Erinnerung. Statt eines Feigenblatts wird ein Requiem gefordert. Die Geigerin solle es doch komponieren, damit erinnern und klagen. Dieser Moment ist belastend, ohne Pathos. Die Bühne wird zur politischen Arena. Die schwangere Violistin, so ist wie in einem gut aufgebauten Krimi zu erfahren, ist von einem Geliebten schwanger. Eine tragische Geschichte. Die später finale Geburtsszene unterstreicht dann den teils abstrusen Rahmen, der gesamthaft die Fiktion stark benutzt und die Zuschauer in Logik und Abfolge fordert. Alle Akteure hangeln, turnen, winden sich an und auf der Stahlbrücke — wie komplett entfesselte Kinder auf dem Schulhof an den Turnstangen. Der DJ haucht psychedelische Wehen-Sounds ins Mikrofon. Die Energie taumelt zwischen Ekstase und Trance, es ist Orgie, es ist ein Zerreißen zugleich. Am Ende bleibt eine immer noch uralte unbezahlte Gasrechnung und ein frisch geborenes Baby zurück, alle Erwachsenen wurden von den Nazi abgeführt oder gar deportiert: „Das Baby bleibt zurück, es war nur eine Made“. Der prominente Verweis auf Karl Silberbauer ruft die historische Realität der Nazi-Verbrechen auf den Plan, Silberbauer war deutscher SS-Oberscharführer, der am 4. August 1944 die Familie Anne Frank und deren Mitflüchtlinge in Amsterdam verhaften ließ. Auf der tristen Bühne folgt im Finale „ein 43-minütiges Todesspiel“ des gesamtverantwortlichen „Kolaborateurs“, nachdem er einen Giftcocktail augenscheinlich freiwillig getrunken hat. Zusammengerafft in vielleicht fünf Minuten Schauspiel. Mit dabei sind 14 Versuche, giftsterbend und Exkremente ausscheidend doch noch etwas los zu werden. Sich dabei aber nicht ein einziges Mal zu entschuldigen. Skurril, verwirrend, ein bisschen durcheinander? Offen für Überraschungen? Genau wie „Amsterdam“, aber alles vom neuen Stück soll noch nicht verraten werden, vielleicht mögen Sie es sich selbst anschauen. Für einige könnte „Amsterdam“ wie eine Zumutung sein. Für andere ist es eine existenzielle Erfahrung. Wer sich auf die rohe und teils vulgäre Kraft, Ambivalenz und Widersprüche einlässt, kann eine besondere Vorstellung erleben, die aus dem Schauspielhaus einen Ort des Schmerzes und der Wahrheit macht. Die vier Darsteller brillieren durch starke Auftritte und eine abgestimmte Synchronität. Die Premiere lief am Samstag (29.11.2025), es folgen fünf weitere Termine: Karten sind auf der Homepage unter schauspielhausbochum.de und Tel 0234 – 33335555 zu bekommen.
